Animation er let at komme ind i, men svært at mestre. Der er lige så mange animationsstile som der er animatorer, og at starte med en kortfilm er en fantastisk måde at øve animationsteknikker på, når du udvikler din "signatur" -stil. Ligesom enhver anden film tager animation tid, tålmodighed og meget planlægning for at få det rigtigt, men alle med en computer kan lave en animeret kortfilm.
Trin
Metode 1 af 3: Making an Animatic (Pre-Production)
Trin 1. Skriv et script ud
Dette er ofte lettere sagt end gjort, men du skal skrive dine ideer klart ned og give dem struktur, før du begynder at arbejde. I modsætning til i live action er det næsten umuligt at "improvisere" en animationsfilm, da det simpelthen tager for lang tid at animere alt. Du kan bruge et simpelt Word -dokument eller scriptskrivningssoftware som Celtx, Writer Duets eller Final Draft. Dit script har ikke brug for dialog, men det har brug for:
-
Et tema.
Hvad er "pointen" med kortfilmen? Dette behøver ikke at være stort, dybtgående eller kompliceret. Det kan være alt fra "tabet af barndomens uskyld" eller "kedsomhed er en sindstilstand" til "jeg vil få folk til at grine med denne vittighed". Tænk på det som et vejledende princip for din film.
-
Tegn.
Hvad vil holde dit publikums opmærksomhed? Dette kan være alt fra en person eller et dyr til en snirklende linje, som den Oscar-vindende korte "The Dot and the Line: A Romance".
-
Visuals.
Hvor finder den korte sted sted? Hvordan er stemningen eller stemningen? Et manuskript skal fortælle historien om den korte i sin helhed, så den kan bruges som en plan for fremtidigt arbejde.
-
En begyndelse, midte og slutning.
Dette lyder indlysende, men det er pointen - næsten alle historier fortælles i tre specifikke, afgrænsede dele eller handlinger. Det betyder ikke, at du skal have en historie med tre handlinger eller endda "karakterer". Du skal dog tænke over kortfilmens "handling", før du går videre.
- Akt 1 introducerer karaktererne og et problem (de er sultne, verden slutter, drengen er vild med nogen osv.)
- Akt 2 komplicerer historien/problemet (Alle butikker er lukket, den dårlige fyr vinder måske, personen har allerede en kæreste osv.).
- Akt 3 giver løsning på problemet (de finder en sandwichbutik, de redder verden, drengen møder en anden person osv.)
Trin 2. Skits karaktermodeller
Inden du begynder at animere, skal du vide, hvordan dine karakterer kommer til at se ud. Skitser dem i forskellige stillinger, kostumer og udtryk for at få en fornemmelse af, hvordan de vil se ud. Husk, at en karakter kan være alt i en animationsfilm, fra en bjørn til et par salt- og peberrygere. Alligevel vil du udvikle dine karakterer på forhånd, så de ser ensartede ud, når du animerer dem.
Trin 3. Tegn et storyboard
Storyboards er individuelle tegninger til hver eneste handling i scriptet og bruges til fremstilling af næsten alle film - animeret eller på anden måde. De er både enkle og omfattende, da du har brug for en for hver ændring, du ønsker i filmen. De behøver dog ikke baggrundsdetaljer eller farve, medmindre det er afgørende for historien. Du kan finde og udskrive en række gratis storyboard -skabeloner online eller tegne dine egne. Hver ramme i storyboardet har to dele:
-
Billedet:
Tegn skudets vigtigste handling i en rektangulær boks og ignorer baggrundsbilleder for nu. Du kan også tegne noter eller pile for at angive bevægelse.
-
Dialogen.
Under skuddet skal du skrive ned, hvad der skal siges i skuddet, den foreslåede længde af skuddet og eventuelle effekter (zoom ind, rystende kamera osv.)
Trin 4. Importer dit storyboard til et filmprogram, og gem hvert enkelt billede individuelt
Når du har planlagt dine billeder, skal du importere dem til din computer. Sørg for at navngive dem korrekt (f.eks. Act1. Scene1. Shot1.jpg). Når du er færdig, skal du importere dem alle til din filmredigeringssoftware (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects osv.) Og sætte dem i den rigtige rækkefølge.
Adobe AfterEffects eller Premier betragtes som branchestandarder, men du kan bruge det program, du er mest tryg ved
Trin 5. Brug dit storyboard til at lave et timet diasshow eller animeret
Animatik er animationens grove snit - de får tempoet og rytmen i den korte sammen og giver dig mulighed for at få timingen rigtigt til din sidste short. Dette lyder kompliceret, men de er egentlig bare diasshows med korrekt timing. Sæt billederne af storyboardet i orden på din redigeringssoftware, og forlæng, klip og leg med dem, indtil du har et "groft" snit af den sidste film.
- Du kan finde eksempler på animation online, f.eks. Animationen til musikvideoen "Feel Good Inc." samt nogle Pixar -animationer.
- Næsten alle animerede film laves først til animation. Ellers risikerer du at bruge timer på at animere en scene, der skal ændres, blive længere eller kortere eller blive slettet.
Trin 6. Tilføj dialogboksen og lydeffekter, og juster timingen for animationen efter behov
Når du har din grove timing nede, er det tid til at optage dialogen på forhånd. Dette behøver ikke at være perfekt, og du kan endda forfalde lydeffekterne med din mund og hænder, hvis du vil. Det der betyder noget er timingen. Har du tid nok i "skuddet" til at få alle ordene ud? Forlæng eller forkort længden af dine dias efter behov.
Jo tættere du kan få dialogen til at perfektionere, jo bedre, da det meste gode stemmeskuespil kræver korrekt timing. Når det er sagt, er det nu ikke tid til at bekymre sig om de finere detaljer ved stemmeskuespil. Du skal samle din animation, før du går videre til fuld produktion
EKSPERT TIP
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Trin 7. Gennemgå din animation som om det var den sidste film
Den sidste animation skal fortælle hele din films historie, minus farver, baggrunde og detaljer.
Hvis du har viden om videoredigering, kan du tilføje pander, zoomer og overgange lige nu for at teste dem inden din sidste redigering
Trin 8. Overvej at købe en tablet
Tabletter er små computere, der leveres med en elektronisk pen, så du kan "trække" direkte ind i din computer. At tegne godt med en mus er næsten umuligt, og medmindre du planlægger små projekter eller stop-motion-arbejde, har du næsten helt sikkert brug for en tablet.
Metode 2 af 3: Animering af din film (produktion)
Trin 1. Bestem dit animationsmedium
Dette afhænger normalt af din ekspertise og hardware. For eksempel er det meget svært, hvis ikke umuligt, for en nybegynder med en ældre computer at lave 3D -animationer som Pixar. Der er mange, mange animationssoftware og stilarter, og alle af dem har forviklinger og teknikker, der er unikke for softwaren.
-
2D Animation:
Dette er det klassiske tegneserie, håndtegnet look. Karaktererne er flade stregtegninger. Oprindeligt blev de tegnet ramme for ramme, men nu er der en række forskellige software, der gør processen meget hurtigere, såsom Synfig, Pencil2D, ToonBoom eller endda Adobe Photoshop. Traditionelt bruger du 12-24 tegninger i sekundet film.
-
3D -animation:
Ligesom de modeller, der bruges i videospil og film som Toy Story og Shrek, er 3D -animation meget sværere at mestre. Du laver modeller af karaktererne og kodebevægelser til dem, hvilket gør 3D -animation til en slags kunstnerisk/kodende hybrid. Du skal også tilføje belysning og teksturer. 3D -software kan bruges, men det tager lang tid og kræver software som AutoDesk, Poser Pro, Aladdin eller Sketchup. De fleste 3D -animationer er resultatet af store teams, der arbejder sammen.
-
Stop bevægelse:
Så enkelt kan enhver gøre det, stop-motion er, når du bruger virkelige figurer eller tegninger og tager et billede efter hver lille bevægelse. Når billederne afspilles baglæns ved høje hastigheder, ligner det bevægelse. Det er imidlertid utrolig tidskrævende, da du ofte har brug for op til 12 fotos pr. Sekund af optagelser for at få det til at se glat ud. Du kan bruge udskæringer, lermodeller, individuelle tegninger eller rigtige mennesker til at lave det.
-
Rotoskopi:
En niche -form for animation, der findes i film som A Scanner Darkly, rotoscoping animerer oven på konventionelt optagede film. Du skal bruge en tablet, og du går gennem optagelserne billede for billede og bruger livevideoen som en vejledning til at tegne karaktererne. Resultatet er et realistisk, men stadig animeret look.
Trin 2. Tegn dine baggrunde
Start med dine indstillinger, da tegnene er lagt oven på dem. Baggrunden skal være alt det, som tegnene ikke interagerer med, da alt, hvad der bevæger sig, skal animeres. Baggrunden skal være en stor tegning og scannes ind i høj opløsning. Dette giver dig mulighed for at "zoome ind" på bestemte sektioner uden forvrængning. For eksempel, hvis du har to karakterer, der taler i en cafe, vil du tegne hele cafeen bag dem. Men du vil måske have "kameraet" til at fokusere på hver karakter, når de taler individuelt. I stedet for at tegne baggrunden bag ham, kan du kopiere og indsætte et mindre afsnit af din detaljerede baggrund for "nærbilleder".
Trin 3. Skits, model eller design dine "nøgleposer
" Hvad er de væsentlige stillinger for dine karakterer eller definerende handlinger, som hver enkelt foretager sig, i scenen? Tænk på disse som "destinationerne" for hvert stykke bevægelse. Tag for eksempel en karakter, der afvikler et slag. Du kan opdele dette i tre "nøgleposer", som hver skal trækkes og gemmes separat.
- Nøglepose 1 = Hvile. Det kan være et ansigt af overraskelse, vrede eller beslutsomhed eller simpelthen karakteren med hænderne ved siderne.
- Key Pose 2 = Afvikling. Hvordan hænger karakteren armen tilbage? Bare rolig endnu ikke om bevægelsen for at komme til denne position, bare træk dem ud med armen tilbage og klar til at slippe.
- Nøglepose 3 = Opfølgningen. Hvor ender karakteren lige efter stansen? Deres arm vil blive udsat, og deres krop følger sandsynligvis igennem. Igen vil du have den sidste pose, ikke rammerne, når hånden går igennem.
- Jo flere nøgleposer du tegner, jo mere kompleks vil bevægelsen være. For eksempel kan du tilføje nøgleramme, så karakteren ser chokeret ud, kugler i en knytnæve, taber albuen, svinger med armen, slår og spinder rundt på opfølgningen.
Trin 4. Tegn "mellemliggende" rammer
Tag slag for eksempel - hvordan kommer du fra nøgle til nøgle? Der er noget avanceret software, der vil gøre dette for dig - når du har lavet karaktermodeller, vil softwaren "gengive" bevægelsen imellem for dig. Men hvis du lige er startet, skal du sandsynligvis tegne dine egne rammer i hånden. Jo flere rammer du tegner, jo glattere ser handlingen ud.
- Det kan hjælpe at placere dine nøglerammer på skærmen som vejledninger. Dette hjælper dig med at se, hvor du har brug for at få karaktererne, og hvor de startede.
- Hvis noget ikke bevæger sig, skal du ikke genere at tegne. Kopier og indsæt nøglerammen, slet den del, der skal flyttes, og gem alt andet, hvor den var.
Trin 5. Sammensæt optagelserne
Kompostering er bare en smart måde at beskrive sammenføjning af filmen. Dette kan være så simpelt som at bestille alle rammerne til stop-motion eller så kompliceret som at gengive en 3D-model med nøjagtig belysning. Igen vil din animationsmetode bestemme, hvordan du sammensætter noget:
- For 2D -animatorer handler compositing om at få bevægelsen til at se glat ud. Software som ToonBoom vil gøre dette for dig og kan blive kaldt "gengivelse".
- For 3D -animatorer ved, at dette tager lang tid. Belysningseffekter og teksturer er svære at programmere, og selv de hurtigste computere kan tage timer at sammensætte en video.
- For stop-motion-animatorer bør du spille med billedlængde og justere optagelserne med en tiendedel eller hundrededel af et sekund for at få en jævn, flydende bevægelse.
Metode 3 af 3: Afslutning af din film (efterproduktion)
Trin 1. Optag enhver dialog for den sidste film
Nu hvor du har den næsten færdige animation, er det tid til at få vokalen til at passe. Dine stemmeskuespillere kan se den sidste scene, deres karakterers udtryk og den timing, du ønsker i dit sidste skud. Dette giver dem (eller dig) mulighed for at levere den bedste vokalpræstation.
Bemærk, at ændringer på animationen på dette tidspunkt kan være meget tidskrævende at foretage. Derfor er omhyggelig præproduktion afgørende for en animeret film af enhver længde
Trin 2. Tilføj eventuelt lydeffekter
Lydeffekter skal komme efter stemmeaktørerne og indstilles til den passende lydstyrke, hvor de ikke overmander dialogen. Der er selvfølgelig nogle undtagelser fra denne regel. For eksempel, hvis der er en eksplosion, som tegnene skal reagere på, kan det være bedst at sætte det først, før du optager dialog. Dette hjælper aktørerne ud med reaktioner.
Lydblanding er en vigtig og subtil kunstform. Invester i et par par hovedtelefoner og/eller højttalere for at finjustere alle lydstyrkerne korrekt
Trin 3. Skær filmen ind i din endelige vision
Nu hvor du har samlet hele filmen, hvordan holder den? Chancerne er, at nogle af overgangene føles klodset, og en scene eller to går længere, end den burde. Ligesom du ville redigere enhver live-actionfilm, skal du vende et kritisk blik til dit animerede stykke og polere det, indtil det gnistrer. Selvom der ikke er nogen "korrekt" måde at redigere en film på, er der et par principper at huske på:
- Føles nogen scener hurtige og vigtige? Føler du dig engageret hele tiden? Hjælper en bestemt linje eller et skud med at flytte historien eller temaet? Hvis svaret på et af disse spørgsmål er nej, skal du begynde at trimme. Ofte er de første og sidste linjer i dialogen uvæsentlige, da at springe direkte ind/ud af en scene normalt er mere engagerende. Hver ramme tæller ved redigering.
- Se filmen med en, der er fjernt fra projektet. Var der dele, der kedede sig? Forvirrede noget dem eller havde brug for mere tid? Hvordan kan du klippe og trimme din historie for at gøre den så gribende som muligt?
- Hvordan flyder scenen sammen? Nogle gange hjælper 2-3 sekunders baggrundsoptagelser seeren med at få vejret og dykke ned i den næste scene, før dialogen starter.
Trin 4. Tilføj dine poleringstryk, f.eks. Effekter, overgange og farvekorrektion
For eksempel, hvis du vil have en gammel sepia-farvetone til din film, skal du tilføje den sidst. Disse slags små ændringer er unødvendige, mens du beskærer, klipper og bygger din film. Desuden vil de være ubrugelige, hvis du klipper scenen eller ændrer farveskemaet. Alle disse små detaljer skal komme sidst, når du er sikker på, at filmens "kød" er færdigt.
- Tilføj viskestykker, opløses eller fade-ins til sceneovergange.
- Tilføj eventuelle filtre eller effekter over de færdige optagelser.
- Tilføj titler og kreditter til begyndelsen og slutningen efter behov i slutningen.
Video - Ved at bruge denne service kan nogle oplysninger blive delt med YouTube
Tips
- Arbejd i små bidder for de bedste resultater - en scene, en handling osv. - og byg dem derefter sammen senere.
- Tag dig god tid til præproduktion. Det vil spare en masse hovedpine senere.
- Lav en testfilm, ikke mere end 20-30 sekunder, hvis du lige er startet med en ny software. Dette hjælper dig med at lære programmet og udfordringerne, før du dykker ned i din vision.
