Har du nogensinde hørt en sang i renæssancestil og spekuleret på, hvordan den blev sat sammen - eller ville du skrive en af dine egne? Denne artikel hjælper dig med at identificere, analysere og skrive din egen musik i renæssancestil.
Trin
Trin 1. Lær mere om, hvordan renæssancemusik opstod
- Der var forskellige epoker af renæssancemusik. Før det startede den første æra af musik, som vi ved meget om, omkring 1200, og blev omtalt som middelalderens musikperiode. Mellem 1400 og 1450 og varede indtil 1600-dette var musikens renæssance-æra, der startede med 1400-1500 som "tidlig renæssance" 1450 til 1550 som "middelrenæssance" og 1500 til 1600 som "senrenæssancen".
- Der var meget enkle regler at følge for så vidt angår musik fra renæssancetiden, og selv efterhånden som musikken skred frem gennem sine interne epoker (tidligt, midt og sent) udviklede den sig, om end kun en smule.
Trin 2. Bliv fortrolig med de specifikke regler
Afhængig af den nøjagtige dato, stykket blev skrevet, og den geografiske oprindelse, kan der have været yderligere regler eller forekomster i musikken.
- Sekulære sangskrivere fra det moderne Frankrig blev kaldt Troubadours og Trouveres, og de broede kløften mellem middelalderens og renæssancens epoker. Hver havde unikke musikalske kompositionsstile.
- I middelalderen argumenterede nogle for, om der var tilladt hellig musik i kirkerne, og når det var tilfældet, blev det næsten altid skrevet på kirkelig latin. Ved renæssancetiden begyndte kirken at vedtage nogle sekulære sangskrivningspraksis. Der var kontrapunkter eller kontrapunktiske kompositioner, moteter - som undertiden ville omfatte flere sprog, sekulære Madrigals og Troubadour -sange.
- Sangmusik var et helligt kontrapunkt, der var populært i middelalderen. Det kaldes undertiden fejlagtigt som "gregoriansk sang" efter pave Gregorius, der ikke skrev, men blot organiserede værkerne meget senere. Denne almindelige butik ville tjene som grundlag for renæssancekorværker.
- Musik på dette tidspunkt var modal, og de mest almindeligt anvendte modes var (i rækkefølge) Mixolydian, Dorian og Phrygian, Eolian og Ionian. Lydian og Locrian blev næsten ikke brugt. Hvis du ikke er bekendt med tilstande, ligner de moderne skalaer - Den joniske er en perfekt parallel til den moderne "Major" -skala, og Æolisk er en perfekt parallel til den moderne "Mindre" skala. Mixolydian er en major skala med en flad 7 (den syvende skala grad sænkes et halvt trin, hvilket eliminerer dermed "ledetonen"). Dorian er en mindre skala med en skarp 6 (den sjette skala grad er hævet et halvt trin), og Phrygian er en mindre skala med en flad 2. Lydian er en major skala med en skarp 4, og Locrian er en mindre skala med en flad 2 OG en flad 5. Mens lydiske "skalaer" er ved at blive populære for moderne musik (undertiden omtalt som en #11 akkord), blev de næppe brugt i renæssancen.
Trin 3. Børst op på dine intervaller
Intervaller var vigtige for at skrive renæssancemusik. Hvis du ikke kender dine intervaller, hjælper denne artikel ikke meget. Her er en kort oversigt over intervallerne i en større skala i C. C D E F G A B C - dette er hovedskalaen i C. Intervallerne mellem den lave C og dens andre skala grader er som følger:
- Major 2. (forkortet M2) C til D; M3 (major 3.) C til E (etc.); P4 (perfekt 4.); P5; M6; M7; P8 (Også kaldet Perfect Octave). Hvis Low C blev spillet to gange i træk, ville intervallet blive omtalt som en P1 eller Perfect Unison.
-
C D Eb F G Ab Bb C - dette er den mindre skala i C, og dens intervaller er som følger:
M2; m3 (Mindre 3., angivet med små "m" versus hovedstaden "M"); P4; P5; m6; m7; P8. Igen er to lave C'er i træk en P1 eller Perfect Unison. Ellers vil du bemærke, at ikke meget har ændret sig. Der er flere intervaller end dette.
-
C C#/Db D D#/Eb E F F#/Gb G G#/Ab A A#/Bb B C - dette er den kromatiske skala. Det omfatter hver note i den vestlige tonalitet, begyndende med C. Dens intervaller er som følger:
- +1 (eller Augmented Unison)/m2, M2, +2/m3, M3, P4, +4/° 5 (eller Augmented 4th/Diminished 5th), P5, +5/m6, M6, +6/m7, M7, P8. Som altid er to Cs i træk en perfekt unison. Der er alternative navne for hvert interval, afhængigt af om det er hævet (# / skarpt) eller sænket (b / fladt).
- Intervaller er tydelige mellem to noter i en enkelt del og en note og dens kontrapunkts harmoni.
Trin 4. Forstå indholdet i det stykke, du skriver
Når du skriver renæssancemusik, skriver du to til fire (sjældent seks) helt uafhængige musikalske linjer, typisk tegn på, at mændene synger dele eller instrumentale dele. Dele vil i begyndelsen begynde sammen, for det meste på linje, men der kan være meget smukke harmonier skabt med modsatte rytmer. Et enkelt tema, der gentages, kaldes et motiv, og det kan sænkes eller fremskyndes i andre dele, selvom en del udfører det som det er.
Trin 5. Følg reglerne
'De vigtige regler at følge var: A.) De mest almindelige spring var op en fjerde og ned en femte. Der var ingen spring større end en fjerde, og ingen spring med en tri-tone (reduceret 5. / augmented 4.). Normalt blev lineær eller skalær bevægelse imidlertid brugt, når det var muligt, ved brug af passeringstoner, hvis det var nødvendigt. B. Undgå ledetonen - syvende skala (naturlig 7 - findes kun på jonisk og lydisk). På samme måde bør intervaller i harmonien ikke lande på en 2. eller 7. C.) Undgå ikke-diatoniske toner-prøv at vælge en tilstand og hold dig til den. D.) Tænk ikke i akkorder, tænk i intervaller-kontrapunkt er lavet af to eller flere helt uafhængige dele. E.) Autentisk renæssancemusik havde ikke 2 efterfølgende "perfekte" intervaller i harmonien. F.) Autentisk renæssancemusik indeholdt ikke mere end 3 efterfølgende 3. eller 6. i harmonien.
Trin 6. Når det er muligt, skal du bruge skalærbevægelse, lineær versus spring
Hvis det er nødvendigt, skal du bruge Passing Tones til at negere den "hakkete" lyd fra store spring. Selvom du skriver uafhængige dele, er det smart at skrive dem alle samtidigt.
Trin 7. Skriv det ud
Mens der i traditionel renæssancemusik blev rytme angivet med mensural notation, hvis det er en moderne komposition, der efterligner renæssancemusik, er det helt fint at bruge moderne notation. De mest almindeligt anvendte rytmer var hele noter, halve noter, kvartnoter og ottende noter (teknisk set deres ækvivalenter) og breve eller dobbelt-hel note (som er en middelalderlig opfindelse, der stadig bruges i dag).
Trin 8. Studer tidens sprog
Engelsk blev skrevet i det, der er kendt som mellemengelsk, beslægtet med Chaucer. De havde forskellige ord for ting, vi stadig bruger i dag. Hvis du skriver en motet, kan det være dels på spansk, dels på engelsk og dels på fransk. Hellige stykker vil sandsynligvis blive skrevet på kirkeligt latin. Tysk blev også brugt. Populære temaer omfattede kærlighed og sorg, hellige stykker ofte citeret i skriften, og som altid var et populært sekulært tema at drikke eller forkæle. Du vil se, musikken har udviklet sig, men ikke meget.
Trin 9. Måske når du er færdig, kan du få fat i et par venner og prøve dine stykker på den nærmeste renæssancefestival
Med disse oplysninger under dit bælte kan du meget vel være de mest kronologisk præcise mennesker der.
